Riportiamo la traduzione dell’interessante articolo “Digital Edinburgh” di Natasha Tripney apparso in originale su “The Space”.

Il Fringe di Edimburgo potrebbe non sembrare il luogo più ovvio per gli esperimenti digitali, ma Natascia Tripney trova che molte compagnie stanno sperimentando nuove possibilità.

L’Edinburgh Festival Fringe offre tanto per tutti. E’ il più grande festival delle arti del mondo. Può essere un trampolino di lancio per nuovi talenti e artisti emergenti, la possibilità di condividere il proprio lavoro con il pubblico ottenendo visibilità nel settore. Per alcuni si tratta di una festa, per altri un mercato (e per molti è entrambi). Far si che il vostro lavoro emerga può essere una sfida. Lo scorso anno, in tutto il mese di agosto, ci sono stati numeri da capogiro: 49,497 repliche di 3.193 spettacoli in 299 sedi.

Edifici in tutta la città vengono messi in servizio per il festival: chiese, cantine, sale conferenze degli hotel, unità commerciali libere, e una serie di angoli umidi su Cowgate. I tempi di intervallo tra uno spettacolo e il successivo sono spesso incredibilmente stretti. Il clima può essere, diciamo, variabile. Le sfide particolari insite nel Fringe non sono mai stati un ostacolo alla sperimentazione. Fish and Game han presentato Alma Mater, uno dei primi pezzi di teatro per Ipad al Fringe, nel 2011, nello stesso anno in cui la compagnia di danza teatrale State of Flux ha messo in scena Forgetting Natasha, uno spettacolo composto da danza, poesia e proiezione digitale a Zoo Southside in cui gli artisti interagiscono con le immagini proiettate in modi sorprendenti e fresche. L’innovazione può e deve accadere ancora, allo stesso tempo, considerando le sfide – e costi coinvolti – è facile capire perché il low-fi e artigianalità spesso predominano, o perché un sacco di compagnie mettono in scena i loro spettacoli utilizzando scenografie di cartone e proiezioni di lavagne luminose.

La compagnia Breach ha portato il loro pezzo The Beanfield a The Space sul Mile quest’anno. Nell’anniversario del trentesimo anniversario della Battaglia del Beanfield – un violento scontro tra la polizia e viaggiatori new age – lo spettacolo è principalmente la celebrazione di “un evento violento che è stato molto deliberatamente lasciato fuori della nostra storia nazionale”, spiega Billy Barrett di Breach. “Non è parte della narrazione ufficiale, ma, naturalmente, il contesto che stiamo rivivendo – di austerità,  militarismo, e violenta repressione del dissenso – lo farà sentire familiare alla maggior parte di nostro pubblico nel 2015.”

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Lo spettacolo, co-diretto da Barrett e video artista Dorothy Allen-Pickard, è composto da due fili intrecciati,  “uno seguendo i nostri tentativi di mettere in scena la battaglia della Beanfield e inscenarla sul luogo stesso, e l’altro un racconto creato dall’ensemble per il solstizio d’estate a Stonehenge nel 2015. Così il filmato è in parte composta dalle nostre interviste con i testimoni e le altre personecon cui abbiamo interagito per la ricerca e la pianificazione, e in parte riprese della rievocazione sé.”

“Gestire l’aspetto cinematografico dello spettacolo sarà inevitabilmente molto difficile, in pratica, a Edimburgo. Abbiamo un sacco di lavoro da coordinare nel nostro slot di prove tecniche di due ore.” Hanno iniziato a produrre lo show con solo un grant di £ 200, ma in un certo senso hanno scoperto che “i vincoli finanziari sono stati creativamente produttivi. Abbiamo uno schermo fatto su misura per il nostro spazio, ma non abbiamo praticamente nessun set, quindi non è stato particolarmente più costoso di una produzione con tecnologia più semplice.”

Clem Garritty e Ollie Jones, membri di Kill The Beast – creatori della perfidamente inventiva e riccamente visuale commedia horror The Boy Who Kicked Pigs e He Had Hairy Hands – stanno portando il loro nuovo spettacolo al Pleasance quest’anno. Lo stile distintivo del lavoro del loro Kill the Beast è stato creato lavorando artigianalmente su scatole concrete che vengono poi animate e retro-proiettate su un grande schermo dietro gli esecutori. Per questo spettacolo stanno facendo qualcosa di diverso, usando l’animazione per dare al pezzo un feeling “un po’ diverso, come di carta ritagliata.” Stanno utilizzando una proiezione frontale, “così le animazioni si rifletteranno sul palco e tutto ciò che lo sta occupando, che sia una poltrona, una valigia, i nostri corpi. La difficoltà di controllare la luce della proiezione è certamente qualcosa che ha posto nuove sfide e ci hanno costretto a pensare la messa in scena in modo diverso, in uno sforzo per integrare queste complicazioni. E ‘stata una esperienza davvero interessante e molto più tecnicamente difficile di qualsiasi cosa che abbiamo fatto in precedenza, ma spero che questo darà un’atmosfera unica e identità “.

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Nella loro esperienza “uno stile boot-camp per il get-in [il breve periodo in cui una compagnia ha a disposizione il teatro per il setup dello spettacolo prima della replica quotidiana, ndt]” è essenziale se si sta mettendo in scena uno spettacolo tecnicamente complesso. “Il get-in e il get-out diventa tanto una parte della performance, come lo spettacolo stesso. Tutto deve essere preciso, a tempo e perfezionato al dettaglio o lo spettacolo nel suo complesso ne subirà le conseguenze. “

Adattare il lavoro per il Fringe crea altre sfide. Lo spazio in cui si esibiranno è uno di queste, o meglio la sua disponibilità “, soprattutto quando abbiamo voluto avere una precisa idea di come occupare lo spazio con esigenti richieste su dove desideravamo che la nostra proiezione venisse mostrata. Tuttavia ci piace risolvere problemi – e ci piace anche cercare di creare qualcosa che restituisca l’idea di uno spettacolo che è stato accuratamente realizzato, curato e aveva soldi dietro – anche se solo le prime due di queste cose sono vere in realtà “.

L’acclamato spettacolo di EarFilms, ‘To Sleep To Dream è un’esperienza di immersive storytelling, che sarà eseguita al Tom Fleming Center, sotto la bandiera del Summerhall, come parte di questa edizione del British Council Edinburgh Showcase.

I membri del pubblico sono bendati e il pezzo utilizza effetti sonori a 360 gradi per scolpire un mondo che li circonda. “Lo spettacolo è realizzato in una cupola di 23 speaker”, spiega Daniel Marcus Clark di EarFilm, “che circonda il pubblico e ci permette di emettere i suoni da ogni direzione.” La configurazione degli altoparlanti è stato progettata da Alban Bassuet di ARUP Acoustic Consultancy ed è composto da 19 altoparlanti disposti come tre anelli di sei, uno a livello del pavimento, uno sopra le poltrone ad altezza di orecchio, uno di una stessa misura più in alto, più un singolo altoparlante al centro in alto. “Ogni anello progressivamente superiore è più piccolo di circonferenza e l’intero disegno descrive la forma di una cupola semisferica.”

“Al fine di lavorare all’interno di questo sistema usiamo 3rd Order Ambisonics. Ambisonics utilizza l’intero sistema audio complessivamente per ricreare un campo sonoro 3D intorno all’ascoltatore. Sebbene Ambisonics esista già qualche tempo, è solo grazie a recenti progressi nella produzione audio computer-based [che siamo in grado] di creare questo tipo di esperienza. “

La tecnologia che usano “è spesso un setup molto diverso da qualsiasi cosa che il locale abbia sperimentato prima. Lavoriamo con il teatro già da mesi per progettare e specificare un impianto che funzioni nel loro spazio. Tutto dipende sia le dimensioni dello spazio, ma anche dalle infrastrutture disponibili. Una volta sul posto l’intero sistema audio è attentamente calibrato per garantire la dispersione suono ottimale nella stanza. “Uno degli svantaggi di questo è che” non è molto pratico per noi condividere lo spazio con rappresentazioni di altri spettacoli “percui il pezzo non viene presentato in uno degli spazi abituali del Summerhall.”

Mago finlandese e performer Janne Raudaskoski usa grandi schermi al plasma nel suo show, The Outsider, che sta portando al New Town Theatre. Nello spettacolo, che fonde clownerie e commedia con trucchi digitali, “sincronizzo la mia recitazione con la riproduzione video al secondo.” Usando una combinazione di luci e fondali neri, egli è in grado di passare da una schermata video a un’altra, per apparire in più di un ruolo contemporaneamente. “Le immagini video, le luci e alcuni degli effetti speciali hanno tutti computers dedicati che si curano di loro.”

The Outsider, dice, “non è una produzione facile da proporre nel sistema del festival. Ci sono video multi-canale, display di grandi dimensioni, configurazioni di illuminazione molto precise, audio surround, schermi LED, effetti speciali. Per far funzionare il tutto in condizioni di festival ho portato la mia squadra tecnica che ha lavorato con la produzione e la conosce sia da dentro che da fuori. ” Anche se si tratta di un solo si è portato un team di otto tecnici dalla Finlandia. A causa dei tempi ristretti del Fringe, è stato necessario sostituire alcuni effetti speciali con altri – ma garantendo sempre e comunque la qualità artistica o che il livello di intrattenimento non soffra per questo. E ‘stato aiutato, egli dice, a questo riguardo dal teatro in cui è programmato, il New Town Theatre di Universal Arts, e dal loro personale tecnico.

È il Fringe un buon contesto per l’innovazione digitale? Garritty pensa così. “Una delle grandi cose circa il Fringe è che, in ogni locale un cui si entri, non importa quanto grande o piccolo, non si è in grado di prevedere la portata dello spettacolo che stai per vedere.” Daniel Marcus Clark crede ci sia “un genuino interesse nello sperimentare lavoro nuovo e sperimentale di Edimburgo ed è fantastico che possiamo essere parte di questo.”

Natasha Tripney

Originariamente pubblicato in inglese su “The Space” – link all’articolo originale